“我喜欢制作过程被保留在最终图像里的感觉。”

如果你去观察爱马仕、巴宝莉、A24、赫曼米勒、苹果和蓝瓶咖啡等公认的高端品牌，你会发现一个反直觉的现象：在全网都在卷 3D 渲染、AI 视觉和超写实数字特效的时代，这些品牌反而越来越执着于“实体创作”。

社会学教授雪莉·特克尔在著作《唤醒情感的物体》中提出一个心理学美学概念：“我们伴随我们所爱的物体去思考”，实体物品是人情感与智力的陪伴者，人类对真实存在的物理材料有着天然的亲近和好感，因为实体能锚定记忆。

因此，当一件印制精美、带着真实触感的实体作品真正进入消费者的生活空间时，它便超越了广告本身，成为了个体向外界延展“品味”与“高级美学”的物质藏品。

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生于西班牙马德里、现居荷兰阿姆斯特丹的José Quintanar（何塞·金塔纳尔），正是这个时代典型的跨领域创作者。建筑学士、英国建筑联盟学院硕士、建筑学博士——每条履历都写满了“建筑设计”，但他从未在现实世界中“建造”过一栋房子。

爱马仕两度邀请合作，José用他标志性的、看起来甚至带有一点“笨拙感”和“原始感”的粗线条，去解构和重绘爱马仕昂贵的成衣、皮具和配饰。

作品精选

Via José Quintanar

在2025年为爱马仕创作圣诞节贺卡的案例中，José一条条看似没有规矩又普通的线条，每条线条还跟着以数字、字母或单词来注解的“小尾巴”，整个画面看起来“凌乱”又抽象。但这就是创作者José最擅长且坚持的创意表达形式——以一定的规则让“线条们”重复，连接起他脑袋里所构思的游戏机制，在精准测量和工具的限定下搭建引桥，呈现出观众在纸面上看得见或看不见的世界。

José在爱马仕画册中保留了纸张与画笔摩擦的顿挫感。这种儿童画般天真却带有严密逻辑的线条，反而赋予了顶级奢侈品一种极具人文温度的、可以被触摸的“实体叙事”。

在本期 Designer's Tool 中，我们邀请 José Quintanar通过他持续创作了10年的《荷兰风景》系列，以及结合为爱马仕创作的几个案例，讲讲如何利用“规则”在纸张上进行创作。

《荷兰风景》系列插画

Via José Quintanar

Q1

你的作品大部分都由极其简洁的线条、数字和色块组成，你是如何利用这些简单的元素和规则来构建创作的？

José

我确实对“简单性”有一种执念 。我决定只使用非常简单的元素，比如线条、数字，以及不超过3到4种颜色 。这其实是我用来构建自己规则、构建自己游戏的一种策略 。

我常说在我的作品（比如《荷兰风景》）中，我从不试图去直接“描绘自然”，我更感兴趣的是“表现的本质”，也就是自然的视觉图像是如何被构建出来的 。我借用了美国哲学家约翰·杜威的观点：自然是由简单的元素构成的，而这些元素具备构建复杂性的能力 。

通过规则的不断组合，最终能繁衍成一个包含 200 条线的大型项目 。规则和简单的元素不是限制，而是由简入繁的底层工具

《荷兰风景》系列插画

Via José Quintanar

Q2

当代设计师很容易陷入“完美的数字化结果”中，而你为什么强调要用手去体会、去更看重“实体创作的过程”？

José

对我来说，创作艺术的过程比最终的成果更重要 。我们现在所处的时代非常奇怪，AI正在到来，大家都有点恐慌 。现在的 AI 确实可以做出很漂亮的画、做出很精美的书，几乎能做任何你想让它做的事 。

但对我而言，最关键的问题在于：艺术品到底是最终的“产物”重要，还是“制作的过程”重要 ？

我有许多朋友并不是职业艺术家，他们是律师、医生或教师，但他们晚上回家会画画、拍照或者和朋友排戏，他们在这个过程里感到非常快乐 。

Q3

面对商业委托，你如何在“品牌限制”与“个人实验风格”之间找到平衡的？

José

我的所有创作，其实都建立在‘制定规则与限制’之上。在商业委托里，很多人把品牌的调性和要求看作是扼杀创意的枷锁，但对我来说恰恰相反——限制并非枷锁，而是为了让自由浮现。

在我的艺术实践中，比如《荷兰风景》系列，我就会给自己设置极端严苛的限制：在16页的册子里，通过91条线的不同排列组合来合成风景。

所以当面对爱马仕的要求时，我只是把品牌的调性、标志（如经典的‘H’字母、马衔扣符号）当作我这场‘规则游戏’里的新限制和新参数。

来自美国的设计师Ben Denzer曾担任企鹅艺术集团的封面设计师，成为美国帕森斯设计学院教师后，他还为爱马仕、巴宝莉、赫曼米勒、耐克等众多国际一线品牌提供设计方案。

在Ben Denzer看来：“去接受实物上的瑕疵、指纹和阴影，那些才是真正吸引人的东西。”真实的物理世界拥有无限的纹理、色彩与情感层级，那是冰冷的数字媒介永远无法完全捕捉的。

Ben为全球知名的家具品牌赫曼米勒的OE1系列宣传片创作桌游，为突出产品主打的“敏捷办公”——即家具可以像积木一样快速移动、组合，以适应现代职场多变的需求。他通过模块化的桌游直观地让消费者体验产品的便捷性，Ben的游戏设计，实际上是将办公布局的过程变成了一种“玩耍”。

而在与电影品牌A24的合作中，Ben则认为：“书不仅是文字的载体，更是一个高密度的收纳容器和可以把玩的装置”。他曾把芝士、培根、甚至钞票做成书。这种对“书”的先锋定义，赋予了 A24 宣传图一种“策展式”的高度。他不是在给商品拍广告照，而是在用他独特的风格，为 A24 的电影文本进行二次艺术策展。

从品牌叙事角度看，实体创作的过程本身就是一个“故事”。当主流商业设计越来越依赖数字工具（Figma、PS、AI生成），作品开始趋同。高端品牌为了保持“独特性”，会更倾向于寻找那些用物理媒介创作的设计师。背后的材料探索、手工搭建、品牌对话，这些内容天然适合传播，也天然能建立情感连接。AI生成的图像很难承载这种“人的痕迹”和“真实叙事”。

Ben Denzer围绕他立体装置创作，和我们分享如何用胶水、剪刀、纸模这些“低科技”的”工具“，开辟出一种充满“人味”的设计语言。

为酒品牌 Aplós创作的宣传照

Via Ben Denzer

为巴宝莉创作的宣传视频

Via Ben Denzer

Q1

你为《纽约时报》等大牌媒体做插画时，很少直接用电脑软件绘图，而是使用真实的实物模型和“扫描仪”去创作，你是如何把这种实物和设备当作设计师工具来使用的？

Ben

我很迷恋“实物的扫描”，我有一台普通的平板扫描仪，它是我最重要的创作工具之一。在给《纽约时报》做关于“夏日阅读”或特定社会议题的插画时，我会去捡真实的落叶、去买真实的冰淇淋，或者用活字印刷的实体铅字拼出字样。

我不会去电脑里手绘一个冰淇淋，我会把真实的冰淇淋和真的书叠在一起，直接放进扫描仪里。

扫描仪这个工具最棒的地方在于它对“物理细节与质感”的绝对捕捉，它能产生一种数码绘画无法模拟的独特景深、油墨的反光和材质的真实厚度。通过将实体物品与扫描、物理剪贴结合，我绕过了繁琐的3D建模或数字绘画。对我而言，去操作真实的物体、去感受它们在扫描面板上的物理接触，这种“低技术”的手段反而能提供更强烈的视觉冲击力和手工温度。

Q3

你最近的研究涉及利用日常生活里“意想不到的实体工具”去构建字体和进行图形实验，你是如何利用这些非传统工具来启发设计的？

Ben

我们习惯了用一成不变的工具去创作，比如电脑里的钢笔工具、电容笔、或者是现实里的画笔和马克笔。但这些工具已经在潜移默化中限制了设计师的图形想象力。

我最近一直在尝试用各种非传统的实物工具去“写字”和“制造图形”，比如用意大利面条、剃须泡沫、绳子甚至各种食物。

因为这些材料有它们自己独特的物理特性，比如剃须泡沫的蓬松感、面条的硬度或煮过之后的软塌感。“工具的特质会直接塑造它所能创造出的图形形态”。我利用这些实物工具，是为了强迫自己脱离数字软件的“完美控制”。当你在和会流动的液体、有固定脆度的面条对抗时，这些材料和非传统工具本身的“不可控性”和“物理限制”，反而能帮设计师推开新世界的大门，创造出电脑上永远算不出来的奇妙视觉。

作品创作过程

Via Ben Denzer

Q3

面对有些“时间太短”的商业委托，你有什么能够快速推进、保证高质交稿的实体创作秘诀吗？

Ben

面对紧急的委托，我最快的处理方式就是进行高频的‘物理拼贴与即时捕获’。

我会直接在桌面上把手头能抓到的一切现成材料进行快速的肉眼堆叠。我不会在脑子里过度思考‘这个举动的意义是什么’，而是直接把这些物品按在扫描仪的盖板上。

很多人觉得数字软件快，但其实在物理世界里用手去抓取、摆放、并用扫描仪直接捕获光影的速度，要比你在 Adobe 软件里建一个3D 材质球并等待渲染快上百倍。

TIME

2026年7月15日至7月19日

9:00-17:00

PRICE

7999元

LOCATION

广东省深圳市南山区

华侨城文化创意园北区OCAT-B10馆

LANGUAGE

配备双语翻译

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